|
Написал статью: Opanasenko
Антиквариат. Вопрос первый: что собирать?
Закончилась русская антикварная осень на аукционах Европы, и можно сказать, что год основных продаж завершен. Практически все крупные и средние антикварные дома, связанные с торговлей русским искусством, отчитались об очередных ценовых рекордах. Так, нынешний показатель русских торгов на Кристи равен 45 миллионов фунтов, ненамного отстал от него Сотбис: только два дня продаж дали общую сумму порядка 35 миллионов фунтов.
Инвестирование в современное искусство — дело весьма сомнительное
Естественно, в этой атмосфере ажиотажного спроса на русское искусство (причем, не только на первые, но и на вторые, третьи имена русской живописи) возникает вопрос: а стоит ли в принципе человеку, который может позволить себе потратить не более 10-15 тысяч евро на приобретение одной вещи, заниматься вложениями в предметы антиквариата, в частности, живописи? Насколько оправданы инвестиции в русское искусство? Действительно ли они так перспективны, как о том говорится, или это очередная финансовая «рулетка», где выигрывает тот, у кого больше денег?
Ответы на все эти вопросы не вмещаются в рамки одной публикации. Сегодняшним материалом мы начинаем цикл статей в помощь начинающему собирателю. Мы будем говорить о том, где, как, у кого, и главное, что покупать на рынке антиквариата. Мы расскажем о дилерах — продавцах антиквариата, о работе аукционов разного уровня, о механизме покупки и продажи работ на торгах. Рассмотрим вопрос о подводных камнях этого рынка, в частности, затронем такую горячую тему, как подделки. Кроме того, расскажем о некоторых специалистах, напрямую связанных с рынком живописи — реставраторах, экспертах, оценщиках. Коснемся и практических вопросов: где провести экспертизу, сколько она стоит, и каким образом, не обладая обширными познаниями в области искусства, можно отличить подделку от подлинника. И, как обычно, в наших материалах будут анализироваться примеры продаж — почему та или иная картина была продана с превышением начальной цены, либо не ушла совсем — то есть, попытаемся выяснить, есть ли какая-то закономерность в продаже живописи на аукционе.
Оговоримся сразу: речь в наших материалах пойдет исключительно о живописи, так как именно этот вид изобразительного искусства составляет основную, самую прибыльную и самую непредсказуемую часть арт-рынка.
Почему именно живопись? Этот вопрос мы оставим в стороне; лишь заметим, что это один из центральных вопросов искусства, относящийся не столько к рынку, сколько к истории человечества и его культуры. Живопись — древнейшее из известных нам искусств, достаточно вспомнить наскальную роспись в пещерах первобытных людей. Почему так сложилось? Видимо, ответ нужно искать в высказывании древних философов, называвших зрение «царицей чувств» — а живопись, как известно, искусство, прежде всего визуальное.
Главный и наипервейший вопрос, который встает перед человеком, решившим заняться коллекционированием — что собирать? Какой принцип должен лечь в основу коллекции?
Ведь художественное собрание — это не просто набор никак не связанных между собой предметов. Чтобы ответить на этот вопрос, нам нужно совершить небольшой экскурс в историю изобразительного искусства.
Консерваторы…
В собирании живописи существует две базовые линии — традиционалистская и новаторская.
Выражаясь современным языком, можно сказать, что есть два подхода к собиранию — консервативный и либеральный. Приверженцев консервативного метода — большинство. Они предпочитают собирать проверенное временем искусство, то, что собственно, и зовется антиквариатом. В это понятие входит весь корпус произведений, созданных на протяжении тысячелетий — от античных времен до второй половины 20 века. То есть, искусство тех эпох, которые ушли и больше никогда не вернутся. Впрочем, художники-традиционалисты есть и сейчас. Творчество такого художника — это, по сути, импровизация в русле традиции. Основная задача художника заключается в том, чтобы, используя весь накопленный до него опыт, выработать на основе традиции свой неповторимый, индивидуальный стиль. Искусство при этом воспринимается как высокое ремесло — и так было на протяжении всей истории человечества, вплоть до конца 18 века. На этом пути медленного и кропотливого накопления знаний родились многие великие стили — готика, ренессанс, барокко, классицизм.
Каждое столетие рождало своих гениев, которые, сфокусировав в себе все накопленные предыдущими поколениями знания и умения, трансформировали их в знание духовное, и выводили искусство на новый виток развития. Имена этих людей известны всем — Леонардо да Винчи, Босх, Брейгель Тициан, Рубенс, Веласкес, Пуссен. Все последующие поколения художников, имея перед собой столь высокие образцы, стремились к этому идеалу, учились, развивались, накапливали новые знания. Таким образом, искусство живописи развивалось скачкообразно: накопление-всплеск.
Еще один важный момент — гений художника всегда был неразрывно связан с его ремесленным умением. Все вышеперечисленные люди были подлинными виртуозами своего дела, техническое превосходство которых признавали все современники. Это прекрасно иллюстрирует известный факт из жизни Рубенса. Будучи проездом в Риме (где его никто не знал), он увидел, как римские художники на одной из площадей рисуют льва в клетке. Тут же схватив лист бумаги и уголь, Рубенс в несколько штрихов набросал льва, который безоговорочно был признан лучшим.
…и либералы
Теперь поговорим о либеральном подходе к искусству. Он исповедует тот принцип, что каждый новый художник — сам по себе творческая личность, в которой заключена самодостаточная творческая энергия.
Либеральный принцип полностью укладывается в знаменитое высказывание дадаиста Швитерса: «даже мой плевок будет искусством, ибо я — художник».
Этот подход не имеет тысячелетней традиции. Дата его рождения известна хорошо: это эпоха романтизма, конец 18 — начало 19 веков. Именно тогда художник ощутил себя как самоценную творческую личность. В это время произошла Великая Французская революция, рухнула тысячелетняя монархия, а вместе с ней — и все сложившиеся культурные устои. Это было время, когда вчерашний лейтенант безо всякой надежды на карьерное продвижение в мгновение ока стал генералом, консулом, а затем — императором Франции, завоевал пол-Европы… и сгинул на острове в Атлантическом океане. Естественно, что на умы тогдашней молодежи это произвело неизгладимое впечатление.
Творческие люди вгляделись в себя и осознали, что они не просто ремесленники, следующие по проторенной дорожке традиции, но отдельные, неповторимые личности. Тогда и появились первые признаки романтизма — бунтарство против существующих основ, прежде всего идеологических. Что касается искусства, то здесь бунтовали не только против традиционализма, но и против самого искусства. Этот процесс растянулся на весь 19 век. Первые романтики — Делакруа, Жерико, Блейк — удовлетворялись экзотическими сюжетами, кроме того, их кисти и палитра стали более раскованными. Но, поскольку они получили прекрасное художественное образование, все эти эксперименты недалеко ушли от глобальной традиционной линии.
Все круто изменилось во второй половине 19 века, когда началась волна открытий в области естественных наук. В частности, благодаря открытию французским химиком Шеврелем законов оптического разложения цвета было создано такое направление живописи, как импрессионизм. Первоначальный принцип этого стиля заключался в том, что изображение, как и свет, складывалось из отдельных цветовых пятен-мазков. Таким образом, имитировалась картина физического преломления цвета.
Разумеется, поначалу импрессионисты не получили никакого признания — их даже не пускали на выставки-салоны, и им пришлось создать свой «Салон отверженных», где их картины продавались буквально за гроши. Так, Игорь Грабарь писал, что еще в начале 1890-х гг. картину Мане или Ренуара можно было купить за 30-40 франков. Все изменилось через десять лет. Цены на работы импрессионистов резко скакнули вверх. Те же самые картины стоили уже десятки тысяч. Что характерно, ни один из тогдашних торговцев живописью эту ситуацию не угадал.
Исключением явился лишь Амбруаз Воллар, который, частично из прихоти, частично из личных симпатий покупал картины импрессионистов буквально за бесценок — для того, чтобы хоть как-то поддержать друзей. Он никогда не рассматривал эти приобретения как инвестиции, а потом в мгновение баснословно разбогател. Теперь его имя в истории мировой живописи стоит наравне с именами импрессионистов.
Надо отметить, что тот же Воллар сумел сделать из случившегося правильные выводы. Честь «раскрутки» следующего громкого имени, которое стало одним из главных в искусстве 20 века, принадлежит именно Воллару. Мы говорим о Пабло Пикассо.
Живопись пошла по пути упрощения, огрубления. Один за другим начали появляться всевозможные новаторские стили, например, фовизм, который является самым дальним «краем» импрессионизма. В фовизме рисунок складывается не из отдельных точек, а из пятен цвета, лишь косвенно обозначающих контуры. Этот стиль считается последним, где восприятие реальности можно (хоть и условно) назвать объективным. Следующим на очереди был кубизм. До сих пор не прекращаются споры о том, кто был родоначальником этого стиля. Торговцы — в маркетинговых целях — заявляют о том, что кубизм открыл Пикассо. Однако некоторые исследования говорят о том, что «Авиньонские девушки» — первая кубическая работа Пикассо — появилась спустя несколько лет после рождения кубизма.
В любом случае, вершиной этого стиля считается творчество Жоржа Брака — художника известного и дорогого, но по уровню живописи и таланта его никак нельзя сопоставить с Пикассо. Пикассо никогда не застывал в одном стиле, его можно уподобить серферу, который, перескакивая с волны на волну, стремительно несется вперед. Так же и Пикассо: он «перескакивал» с аналитического кубизма к синтетическому, затем вернулся к неоклассике, писал неореалистические работы, и таким образом, превратился в беспроигрышный торговый бренд на мировом художественном рынке. В образовавшиеся бреши хлынули потоки имен.
Художники из разных стран занимали ниши, раскрученные Пикассо, одно течение было радикальнее другого… но что касается чисто изобразительного искусства, то здесь самыми радикальными оказались русские художники. Начав как ученики (и, кстати, весьма талантливые ученики!) французских кубистов, — Пикассо, Глеза, Брака, — они развили этот метод отображения действительности до совершенства, а вершиной всего явился супрематизм. Это направление можно считать чисто русским брендом. Оно основано на предельном упрощении, когда геометрические фигуры сочетаются друг с другом в неком пространственном ритме, складываясь в какие-то образы. Апофеозом супрематизма стал написанный в 1915 году «Черный квадрат» Казимира Малевича — произведение, которое сам Малевич считал точкой, поставленной в конце истории живописи. В определенном смысле так оно и было: «Черный квадрат» завершил формальные искания. Другой художник, который развил это направление, оформил теоретически и наглядно выявил цветовую и стихийную природу живописи, был Василий Кандинский. У него нет строгих геометрических форм, лишь яркие цветовые пятна, сплетающиеся в красочные гармонии.
Contemporary art
Все изложенное выше может показаться человеку, вступающему на рынок антиквариата, информацией, не представляющей практической пользы. Но на самом деле это азы, без которых в принципе нельзя заниматься коллекционированием любого рода.
Надо четко осознавать, что есть антиквариат, который представляет, прежде всего, художественную ценность (и потому всегда, во все времена будет иметь рыночную стоимость), и есть модные течения, ценность которых складывается в основном из раскрутки. Рынок современного искусства — contemporary art — не предлагает никаких принципиально новых идей.
Творчество большинства современных художников — ничто иное, как перепевы того, что было уже сделано до них. Просто каждый раз это подается в более кричащей или шокирующей упаковке. В принципе, после того как в 1919 году французский художник Марсель Дюшан выставил писсуар и назвал эту инсталляцию «Фонтан», все остальное смотрится вторичным моментом этого художественного жеста. Концептуально дюшановским писсуаром было сказано все.
Относительно такого направления, как хепенинг, когда художники сами себя считают арт-объектом, здесь можно сказать следующее. Изображать из себя собаку, лаять и кусаться в либеральной стране не представляет угрозы жизни и здоровью, ибо вряд ли кто из граждан осмелится поступить адекватно: просто взять палку и прогнать эту «собаку». Куда более впечатляющим художественным актом были прогулки Даниила Хармса в цилиндре и с тросточкой по крышам Ленинграда в 1937 году. Это был истинный хепенинг.
Впрочем, все это мы пишем вовсе не для того, чтобы унизить современное искусство. Наша цель другая: чтобы каждый начинающий собиратель понял, что инвестиции в современное искусство столь же рискованны и ненадежны, как вложения средств в ваучеры 90-х или в нынешние «сверхприбыльные» акции некоторых паевых фондов. Потому что сегодняшний художник — не самостоятельная творческая личность (какими были и импрессионисты, и супрематисты), а продукт, выпущенный на рынок галеристами.
Это своеобразная художественная «Фабрика звезд» — лишь с той разницей, что «фабрикантов» перед тем, как выпустить на эстраду, обучают профессионалы. А что касается таких «выпущенных» художников, то здесь, в силу эстетической неудобоваримости подавляющего большинства художественных объектов, даже специалисты могут сказать определенно только одно: мы столкнулись с громадным кризисом идей как в самой жизни, так и в творческом процессе. Это относится ко всей западной цивилизации. А ведь именно на западный художественный рынок ориентируются наши арт-дилеры. В первую очередь, это относится к американской модели рынка. Их можно понять: цены на современное искусство в Америке на несколько порядков выше европейских. Так, например, полотно Марка Ротко было продано более чем за 76 миллионов долларов — именно полотно, так как холст, верхняя половина которого закрашена желто-зеленой краской, а нижняя — грязно-фиолетовой, при всем желании нельзя назвать картиной.
Однако ни российский, ни европейский рынок нельзя равнять с американским, потому что в Америке исторически сложилась совершенно особая ситуация. Эта страна просто не имеет своей истории искусства. Вплоть до второй половины ХХ века американское искусство глубоко провинциально; живопись, в отличие от кинематографа, там никогда не поднималась до уровня даже самых слабых европейских художников. Но ниша должна была чем-то заполниться, и ее заняли представители поп-арта — кстати, их работы покупают именно американцы. Вернее, современные американские хедж-фонды, контролирующие колоссальные финансовые потоки. Это то, что именуется патриотическим спросом на искусство; а именно патриотическая составляющая сегодня — важная часть цены на арт-рынке.
Вложение в современное искусство — дело весьма сомнительное. В отличие от традиционного арт-рынка, торгующего антиквариатом. В конце концов, даже сейчас самый дорогой художник в мире не Ротко и даже не Пикассо, а Рубенс.
По материалам: http://ls-art.net
ВВЕРХ
|
